Mundo del Arte
Música y Arte: Portadas de álbum de artistas reconocidos
Música y arte van de la mano
Tanto el arte como la música llevan una relación estrecha desde que la industria discográfica descubrió que la intervención de un artista visual, podría generar grandes aportes para el concepto de un álbum. Es de esta manera como un sinfín de portadas se convirtieron en parte de la historia del arte y de la música. Por mencionar algunos ejemplos clásicos, podríamos hablar de “The Velvet Underground & Nico” (1966). Una pieza de estudio dirigida por Andy Warhol a quien también le podemos atribuir una intervención con la conocida portada de Banana. Sin duda la relación entre Lou Reed y Warhol era muy productiva, aunque también caótica.
“The Velvet Underground & Nico” (1966)
Por otro lado se podría añadir a la lista de portadas artísticas, el “Think Tank” de Blur del año 2003. Con una carátula inconfundible realizada por él siempre misterioso Banksy. Este álbum causó muchos rumores sobre la identidad de este artista, incluso se llegó a decir que podría ser integrante del proyecto alterno de Damon Albarn, una pequeña banda que lleva Gorillaz por nombre. Así como los antes mencionados, hay muchos ejemplos de arte contemporáneo en trabajos discográficos, a continuación te mostramos los tres más sorprendentes.
“Think Tank” (2003)
Música y arte contemporáneo con The Strokes
The Strokes hizo una mezcla de arte y música con un álbum de 2020. “The New Abnormal” es el sexto álbum de estudio de la banda estadounidense de rock estadounidense The Strokes. Si bien la banda ya era enorme para este punto de su carrera, la parte visual tuvo una revolución dentro del concepto de este nuevo álbum. Se trata de una portada para la cual se eligió una obra ya existente del artista neoyorquino Jean Michel Basquiat, conocido por su estilo neo expresionista y también por su relación con la escena musical del lugar. “Bird on Money” es una pintura de 1981 que Basquiat hizo en forma de tributo al legendario saxofonista de jazz Charlie Parker. 29 años después, The Strokes se apropió de esta obra.
“The New Abnormal” (2020)
Arte alternativo con Sonic Youth
Goo (1990) es el sexto álbum de estudio de la banda estadounidense de noise rock y rock alternativo Sonic Youth. Con este álbum es cuando logran su punto de mayor popularidad. La carátula con la que se presenta este álbum es inconfundible y parodiada en diversas ocasiones, la crudeza del blanco y negro es característico en el estilo de su creador, el mítico Raymond Pettibon.
“Goo” (1990)
Puede que el nombre no te suene, menos si no estás inmerso en la historia del punk norteamericano. Pettibon es conocido por ser el encargado de dar su identidad visual a la banda de hardcore punk por excelencia Black Flag. Así es, esas 4 líneas que representan a la banda son de su autoría, al ser hermano del fundador de la banda Greg Ginn, Pettibon pudo hacer artes para la banda desde sus inicios, en muchas ocasiones las calles de Los Ángeles fueron tapizadas con sus diseños en los flyers.
El arte de Murakami y la música de Balvin
Takashi Murakami es un artista contemporáneo japonés que trabaja en el mundo de las bellas artes como en la pintura y escultura. Aunque también lo hace en el plano de la moda, animación y el merchandising. La línea gráfica de este talentoso artista japonés está influenciada por el manga y los videojuegos, algo que lo ha llevado a trabajar con artistas de la talla de Kanye West y Kid Cudi, esto con la portada de su álbum “Kids See Ghosts”, que se publicó en 2018.
“Kids See Ghosts”(2018)
Por otro lado está una de las colaboraciones de arte y música que más eco han causado en el ámbito de la música latina. Se trata del polémico reguetonero colombiano J Balvin. Si bien Balvin puede ser criticado por muchas razones, su buen gusto no es una de ellas. La relación entre Balvin y Murakami dio como resultado la carátula y el concepto visual general de “Colores”, álbum lanzado en 2020 que muestra a una serie de flores coloridas que se adornan con una cara sonriente.
“Colores” (2020)
La relación entre música y arte trae consigo un resultado positivo al momento de querer resaltar el concepto de un material discográfico. Cada vez son más los músicos que acuden a un nombre reconocido para explotar al máximo los alcances de sus grabaciones. Si quieres saber más sobre música y arte, te recomendamos nuestro artículo sobre el Dr Alderete.
El collage artístico y los rostros de Wheatcroft
Shane Wheatcroft es el creador del collage artístico y también un artista plástico con base en Kent, Reino Unido. Si bien este artista había dedicado gran parte de su carrera, fue hasta tiempo después que descubrió su vocación a través de unas revistas viejas. El enfoque de Wheatcroft suele ser desordenado y accidental. Las cosas simplemente suceden en en lienzo. Con la estética vintage y el surrealismo como máximo estandarte, las piezas del británico se muestran en forma de collage. Es de esta manera como a través de recortes antiguos podemos echar un vistazo dentro de la cabeza de personajes casi tan desordenados como el mismo artista. Las obras reflejan un mundo alucinante, donde los cuerpos humanos se convierten en espejos deformantes y escenarios que albergan múltiples historias.
Estética vintage en el collage artístico
Las influencias del collage artístico de Wheatcroft, recorren a Andy Warhol, Linder Sterling, Jamie Reid y también las revistas, libros y catálogos de los años 1945 a 1970. El autor de este estilo se dice encantado por los colores y técnicas de impresión de esa época. Por otro lado no se puede olvidar que esta es una forma muy original de reciclar papel que lleva más de 50 años acumulando polvo. Al observar las obras de Wheatcroft, resulta imposible no pensar en juegos como el cadáver exquisito y corrientes como el dadaísmo. Ninguna de las obras son visualizadas como antelación, aunque si hay algunos elementos que podemos ver constantemente.
La composición de la obra de Wheatcroft
Fascinado por el glamour y lo cotidiano, el collage artístico se construye como si fuera un rompecabezas. El artista normalmente comienza por encontrar el cartel adecuado, de preferencia que muestre a una figura humana en primer plano. Luego es momento de encontrar un fondo para así delinear el interior de la cara. Finalmente viene la adición de detalles como lo pueden ser sofás o mesas que aportan sustancia al espacio. Una vez que se definen los personajes, la historia nace. A menudo Wheatcroft tiene en la mente una canción o fragmentos de ella, eso le da pistas sobre lo que debería llevar su collage.
Uno de los sellos característicos de Wheatcroft, es incluir un ojo humano en todas sus piezas. Al incluir este elemento, el artista lo toma como una forma de devolver dimensión humana a una pieza distorsionada. La fascinante obra de Wheatcroft, se suma a nuestro catálogo sobre artistas con piezas poco usuales. Si quieres leer más sobre uno de ellos, haz clic aquí.
Arte y fútbol van de la mano aunque no lo parezca
La relación entre arte y fútbol es muy estrecha a lo largo de la historia. Desde sus primeros años, el balompié es un deporte que despierta sensaciones únicas que van ligadas con un sentido de pertenencia, comunidad y el gusto por apreciar el deporte mismo. La pasión desenfrenada en el deporte más popular del mundo, se podría decir que dividió a sus seguidores en dos corrientes: Una constructiva y una destructiva. Esta segunda es producto de una afición cegada por sus colores, algo que los ha llevado a arriesgar su vida y recurrir a la violencia en defensa de su club. Aunque el antecedente histórico se remonta al hooliganismo de Inglaterra, cada país tiene sus propios problemas derivados de conductas antideportivas. Por otro lado, la corriente constructiva es la que dió lugar a la mezcla entre arte y fútbol.
La mezcla histórica entre el arte y fútbol
Es evidente que con una millonada de seguidores en todo el planeta, las expresiones artísticas no se harían esperar. Hoy probablemente el recurso más usado para inmortalizar el fútbol, es el audiovisual. Como ejemplo de esto podemos ver a nuestro alcance documentales sobre diferentes equipos. Incluso se ha construido ficción con base en el sistema de competencia, esto lo podemos ver en series como Ted Lasso de Apple TV, o Club de Cuervos en Netflix. Sin embargo para hablar de arte y fútbol, es necesario remitirnos al su lugar de origen y a fechas cercanas a ese suceso. A continuación revisaremos dos obras diferentes que hacen alusión al fútbol inglés y su afición.
L.S. Lowry, Going to the Match (1923)
Lowry (1887–1976), fue uno de los pintores británicos más populares del siglo XX. Este creador que combina arte y fútbol nació en Old Trafford, Stretford. Un territorio conocido por ser la casa del Manchester United. Sin embargo, el destino hizo que Lowry se hiciera fanático del archirrival Manchester City. Sus lienzos capturan los rituales en la vida de la clase trabajadora. Probablemente el más importante de ello, era correr a un partido de fútbol durante un frío sábado por la noche.
L.S. Lowry, Going to the Match (1923)
William Reginald Howe Browne, Wembley (1923)
Pasamos de Manchester a Londres para hablar del torneo más viejo del mundo, testigo de una gran pieza de arte y fútbol. La construcción del estadio Wembley se completó cuatro días antes de que recibiera la final de la FA Cup entre el Bolton Wanderers y el West Ham United, esto el 28 de abril de 1923. Aunque el espacio para la afición parecía suficiente, fueron miles las personas que abarrotaron el estadio hasta el punto de desbordarse sobre la cancha. Un policía de nombre George Scorey cabalgaba sobre un caballo blanco e intentaba empujar a la afición fuera del terreno de juego. Posteriormente se denominó a este evento como “The White Horse Final”.
William Reginald Howe Browne, Wembley (1923)
Este es el evento que inspiró a William Reginald Howe Brown para realizar una pintura. El caballo blanco cuyo nombre era “Billie”, es un elemento importante que apenas se alcanza a distinguir dentro del archipiélago verde que se forma entre un mar de fanáticos. Había espacio para 127 000, pero miles más llenaron las terrazas y se desparramaron por el campo. El PC George Scorey, montado en “Billie”, empujó suavemente a los fanáticos hacia un lado para que el juego pudiera comenzar; el evento posteriormente se denominó “The White Horse Final”. Billie es virtualmente el centro de la pintura de Browne, en el borde superior de la “más alta” de las islas verdes que forman un archipiélago en medio del mar de abanicos. Bolton ganó 2-0. El gran Wembley antiguo fue demolido en 2003 y reemplazado por uno nuevo. El vínculo entre arte y fútbol es muy extenso y apenas estamos repasando el principio de la historia. Muy pronto podrás leer un capítulo más de esta serie de artículos dedicados a los artistas y el balompié. Mientras tanto te invitamos a leer sobre un artista impresionante, sólo tienes que dar clic aquí.
Continuamos con las referencias artísticas en Los Simpson
Esta es la tercera parte de nuestra serie de textos que abordan las referencias artísticas en la serie amarilla. Al contar con un universo de capítulos, resulta muy difícil hablar de todo el arte en los Simpson en una sola entrega. Si bien hasta ahora nos hemos enfocado en capítulos completos que hacen homenaje al arte en varios momentos, ahora es momento de repasar las referencias aisladas que se hacen en diferentes capítulos. Si quieres empaparte mucho más del mundo del arte en Los Simpson, te invitamos a revisar la parte 1 y parte 2 de esta interesante recopilación. Para esta ocasión estaremos repasando material tanto de la segunda como de la quinta temporada.
Las referencias artísticas en Los Simpson: El tributo escénico.
Durante el capítulo 17 de la segunda temporada, el abuelo Simpson tiene un apasionado romance con Beatrice Simmons, una compañera del asilo. El amor se ve truncado por la muerte repentina de ella. Tras este suceso, el abuelo hereda una importante suma económica y decide donarla a quien más la necesite en Springfield. Uno de los momentos más conmovedores en este episodio, sucede con la tristeza evidente y soledad del abuelo Simpson. De ahí sale una imagen que hace referencia a la obra de Edward Hopper, Nighthawks (1942, Art Institute of Chicago, Chicago, IL, USA)
Pinturas en la Casita del Horror
Algo muy característico dentro de la familia más famosa de la televisión, son sus especiales de noche de brujas que ocurren año con año. Para la temporada 5, el quinto capítulo fue el destinado para este especial. En forma de homenaje a una serie de televisión de terror que lleva por nombre “Night Gallery”, Bart cuenta historias de terror acompañado de diferentes pinturas. Dos en especial son una referencia al trabajo de Vincent Van Gogh y Salvador Dalí.
Vincent van Gogh, Self Portrait, 1889, Musée d’Orsay, Paris, France.
Salvador Dali, Sleep, 1937, private collection.
Arte en la familia amarilla 
Uno de los capítulos más memorables de la serie amarilla. Las referencias artísticas de Los Simpson continúan durante el capítulo 18 de la temporada 5, donde un concurso en la radio lleva a Bart a ganarse un elefante. Si bien la historia de este capítulo está dedicada a la conciencia respecto al reino animal, hay un pequeño momento en el que Bart limpia una pintura muy parecida a la obra de Grant Wood, American Gothic (1930, Art Institute of Chicago, Chicago, IL, USA.).
Existen muchas referencias artísticas en Los Simpson, algunas suelen ser muy obvias, mientras otras se elaboran de una forma más compleja a través de tributos escénicos. Recuerda que puedes ver la parte 1 y parte 2 de este tema dando clic en ellas. Para terminar esta publicación es preciso recurrir a las palabras de Bart Simpson en su Guía para la vida.
“Los museos son nuestras salas sagradas de la cultura, pero no les eches eso en cara. Exigen respeto, hombre. Así que la próxima vez que te arrastren a uno de estos viejos basureros polvorientos, recuerda comportarte.”
