Mundo del Arte
Artista urbano interviene carita feliz en su 50 aniversario
La carita feliz a los ojos de un artista urbano y Forrest Gump
André Saraiva es un artista urbano sueco francés que decidió intervenir el ícono popular de un círculo amarillo con una cara sonriente. En la película Forrest Gump dirigida por Robert Zemeckis en 1994, el personaje interpretado por Tom Hanks cuenta como estuvo corriendo mientras ayudaba gente a su paso. Sin duda una de las escenas más recordadas es la de un vendedor fracasado que quería poner la cara de Gump en una camiseta, pero no podía dibujar tan bien y no tenía cámara. Por suerte, un camión pasa y salpica la cara de Forrest con lodo. Él limpia su cara con una camiseta amarilla y se la devuelve al vendedor. La huella de la cara de Gump dejó una perfecta y abstracta cara sonriente en la playera amarilla brillante. Y así nació un ícono.
Si bien la fantástica historia que se narra en la película no es más que ficción, hay todo un antecedente que envuelve el surgimiento de la “smiley face”. Oficialmente la versión original de la cara sonriente fue creada por primera vez en Worcester, Massachusetts por el difunto Harvey Ross Ball, artista gráfico y publicista estadounidense. A Ball se le ocurrió ls imagen en 1963 cuando le encargaron crear un gráfico para levantar la moral entre los empleados de una compañía de seguros. Este artista terminó el diseño en menos de 10 minutos y recibió un pago de 45 dólares por su trabajo.
Se reinterpreta una imagen de hace cincuenta años
La cara feliz que inspiró al artista urbano Saraiva fue adoptada por diferentes personas. Para el año 1972 en Europa, surgió otro reclamante de la creación de smiley, así como su intromisión en la cultura popular. Se trata del periodista francés Franklin Loufrani, quien se convirtió en la primera persona en registrar la marca para uso comercial. El periodista comenzó a usar la cara amarilla para resaltar los raros casos de buenas noticias en el periódico. Posteriormente, convirtió esa sonrisa en una marca registrada, apodada simplemente “Smiley”.
Aunque Ball se puede considerar como el creador original de este ícono, el aporte de Loufrani es muy importante para la trascendencia que tuvo “smiley en los siguientes años”. Al tener una doble nacionalidad europea, la Smiley face llegó a Saraiva como resultado de la difusión dada por Franklin Loufrani. Si tomamos 1972 como el año en el que la “smiley face” comenzó a quedar impresa en la cultura popular, entonces llevamos cincuenta años con esta imagen en nuestro imaginario. El antes mencionado André Saraiva acudió al llamado oficial de la marca “smiley” para dar un nuevo punto de vista a esta imagen, misma que debemos recordar que ha sido reinterpretada durante décadas por movimientos sociales, artistas y músicos como Talking Heads, Nirvana, Murakami y Banksy. La carita sonriente se ha convertido en un emblema del pensamiento positivo y la creencia inquebrantable en un futuro mejor por delante.
El proyecto de Saraiva con Smiley
Como ya lo hemos narrado, “Smiley” es parte de diferentes apropiaciones en el mundo del cine, del arte y la literatura, algo que sus creadores apoyan fervientemente. Puede a medida que las nuevas generaciones de activistas, artistas y creadores reinventen este concepto, este seguirá prosperando e influyendo en generaciones futuras. Para rendir homenaje a todos los artistas que han intervenido su ícono, la marca acudió a un pionero dentro del grafiti parisino como lo es Saraiva. Conocido popularmente en el circuito galo como Mr A., para este artista urbano Smiley es un buen representante de diversas subculturas europeas, él particularmente adoptó a esta imagen dentro de la escena rave de principios de los noventa, esto hizo de smiley símbolo de contracultura. Lo antes mencionado por Saraiva es un ejemplo de como esta imagen es verdaderamente icónica y casi todo el mundo crea su propia historia con él.
En su estudio de París, este artista creó una serie de diseños que inyectan al icónico Smiley un estilo de artista urbano. Saraiva dijo que quería enfocarse en la sensación de positividad ilimitada en la marca.
Los diseños de Saraiva han formado la base del proyecto de aniversario de “Smiley”; estos logotipos personalizados y estampados se utilizarán en colecciones colaborativas con más de 50 marcas de moda, estilo de vida y belleza. Si quieres conocer más sobre artistas urbanos, te invitamos a leer nuestro artículo sobre el mexicano Topolocko.
El collage artístico y los rostros de Wheatcroft
Shane Wheatcroft es el creador del collage artístico y también un artista plástico con base en Kent, Reino Unido. Si bien este artista había dedicado gran parte de su carrera, fue hasta tiempo después que descubrió su vocación a través de unas revistas viejas. El enfoque de Wheatcroft suele ser desordenado y accidental. Las cosas simplemente suceden en en lienzo. Con la estética vintage y el surrealismo como máximo estandarte, las piezas del británico se muestran en forma de collage. Es de esta manera como a través de recortes antiguos podemos echar un vistazo dentro de la cabeza de personajes casi tan desordenados como el mismo artista. Las obras reflejan un mundo alucinante, donde los cuerpos humanos se convierten en espejos deformantes y escenarios que albergan múltiples historias.
Estética vintage en el collage artístico
Las influencias del collage artístico de Wheatcroft, recorren a Andy Warhol, Linder Sterling, Jamie Reid y también las revistas, libros y catálogos de los años 1945 a 1970. El autor de este estilo se dice encantado por los colores y técnicas de impresión de esa época. Por otro lado no se puede olvidar que esta es una forma muy original de reciclar papel que lleva más de 50 años acumulando polvo. Al observar las obras de Wheatcroft, resulta imposible no pensar en juegos como el cadáver exquisito y corrientes como el dadaísmo. Ninguna de las obras son visualizadas como antelación, aunque si hay algunos elementos que podemos ver constantemente.
La composición de la obra de Wheatcroft
Fascinado por el glamour y lo cotidiano, el collage artístico se construye como si fuera un rompecabezas. El artista normalmente comienza por encontrar el cartel adecuado, de preferencia que muestre a una figura humana en primer plano. Luego es momento de encontrar un fondo para así delinear el interior de la cara. Finalmente viene la adición de detalles como lo pueden ser sofás o mesas que aportan sustancia al espacio. Una vez que se definen los personajes, la historia nace. A menudo Wheatcroft tiene en la mente una canción o fragmentos de ella, eso le da pistas sobre lo que debería llevar su collage.
Uno de los sellos característicos de Wheatcroft, es incluir un ojo humano en todas sus piezas. Al incluir este elemento, el artista lo toma como una forma de devolver dimensión humana a una pieza distorsionada. La fascinante obra de Wheatcroft, se suma a nuestro catálogo sobre artistas con piezas poco usuales. Si quieres leer más sobre uno de ellos, haz clic aquí.
Arte y fútbol van de la mano aunque no lo parezca
La relación entre arte y fútbol es muy estrecha a lo largo de la historia. Desde sus primeros años, el balompié es un deporte que despierta sensaciones únicas que van ligadas con un sentido de pertenencia, comunidad y el gusto por apreciar el deporte mismo. La pasión desenfrenada en el deporte más popular del mundo, se podría decir que dividió a sus seguidores en dos corrientes: Una constructiva y una destructiva. Esta segunda es producto de una afición cegada por sus colores, algo que los ha llevado a arriesgar su vida y recurrir a la violencia en defensa de su club. Aunque el antecedente histórico se remonta al hooliganismo de Inglaterra, cada país tiene sus propios problemas derivados de conductas antideportivas. Por otro lado, la corriente constructiva es la que dió lugar a la mezcla entre arte y fútbol.
La mezcla histórica entre el arte y fútbol
Es evidente que con una millonada de seguidores en todo el planeta, las expresiones artísticas no se harían esperar. Hoy probablemente el recurso más usado para inmortalizar el fútbol, es el audiovisual. Como ejemplo de esto podemos ver a nuestro alcance documentales sobre diferentes equipos. Incluso se ha construido ficción con base en el sistema de competencia, esto lo podemos ver en series como Ted Lasso de Apple TV, o Club de Cuervos en Netflix. Sin embargo para hablar de arte y fútbol, es necesario remitirnos al su lugar de origen y a fechas cercanas a ese suceso. A continuación revisaremos dos obras diferentes que hacen alusión al fútbol inglés y su afición.
L.S. Lowry, Going to the Match (1923)
Lowry (1887–1976), fue uno de los pintores británicos más populares del siglo XX. Este creador que combina arte y fútbol nació en Old Trafford, Stretford. Un territorio conocido por ser la casa del Manchester United. Sin embargo, el destino hizo que Lowry se hiciera fanático del archirrival Manchester City. Sus lienzos capturan los rituales en la vida de la clase trabajadora. Probablemente el más importante de ello, era correr a un partido de fútbol durante un frío sábado por la noche.
L.S. Lowry, Going to the Match (1923)
William Reginald Howe Browne, Wembley (1923)
Pasamos de Manchester a Londres para hablar del torneo más viejo del mundo, testigo de una gran pieza de arte y fútbol. La construcción del estadio Wembley se completó cuatro días antes de que recibiera la final de la FA Cup entre el Bolton Wanderers y el West Ham United, esto el 28 de abril de 1923. Aunque el espacio para la afición parecía suficiente, fueron miles las personas que abarrotaron el estadio hasta el punto de desbordarse sobre la cancha. Un policía de nombre George Scorey cabalgaba sobre un caballo blanco e intentaba empujar a la afición fuera del terreno de juego. Posteriormente se denominó a este evento como “The White Horse Final”.
William Reginald Howe Browne, Wembley (1923)
Este es el evento que inspiró a William Reginald Howe Brown para realizar una pintura. El caballo blanco cuyo nombre era “Billie”, es un elemento importante que apenas se alcanza a distinguir dentro del archipiélago verde que se forma entre un mar de fanáticos. Había espacio para 127 000, pero miles más llenaron las terrazas y se desparramaron por el campo. El PC George Scorey, montado en “Billie”, empujó suavemente a los fanáticos hacia un lado para que el juego pudiera comenzar; el evento posteriormente se denominó “The White Horse Final”. Billie es virtualmente el centro de la pintura de Browne, en el borde superior de la “más alta” de las islas verdes que forman un archipiélago en medio del mar de abanicos. Bolton ganó 2-0. El gran Wembley antiguo fue demolido en 2003 y reemplazado por uno nuevo. El vínculo entre arte y fútbol es muy extenso y apenas estamos repasando el principio de la historia. Muy pronto podrás leer un capítulo más de esta serie de artículos dedicados a los artistas y el balompié. Mientras tanto te invitamos a leer sobre un artista impresionante, sólo tienes que dar clic aquí.
Continuamos con las referencias artísticas en Los Simpson
Esta es la tercera parte de nuestra serie de textos que abordan las referencias artísticas en la serie amarilla. Al contar con un universo de capítulos, resulta muy difícil hablar de todo el arte en los Simpson en una sola entrega. Si bien hasta ahora nos hemos enfocado en capítulos completos que hacen homenaje al arte en varios momentos, ahora es momento de repasar las referencias aisladas que se hacen en diferentes capítulos. Si quieres empaparte mucho más del mundo del arte en Los Simpson, te invitamos a revisar la parte 1 y parte 2 de esta interesante recopilación. Para esta ocasión estaremos repasando material tanto de la segunda como de la quinta temporada.
Las referencias artísticas en Los Simpson: El tributo escénico.
Durante el capítulo 17 de la segunda temporada, el abuelo Simpson tiene un apasionado romance con Beatrice Simmons, una compañera del asilo. El amor se ve truncado por la muerte repentina de ella. Tras este suceso, el abuelo hereda una importante suma económica y decide donarla a quien más la necesite en Springfield. Uno de los momentos más conmovedores en este episodio, sucede con la tristeza evidente y soledad del abuelo Simpson. De ahí sale una imagen que hace referencia a la obra de Edward Hopper, Nighthawks (1942, Art Institute of Chicago, Chicago, IL, USA)
Pinturas en la Casita del Horror
Algo muy característico dentro de la familia más famosa de la televisión, son sus especiales de noche de brujas que ocurren año con año. Para la temporada 5, el quinto capítulo fue el destinado para este especial. En forma de homenaje a una serie de televisión de terror que lleva por nombre “Night Gallery”, Bart cuenta historias de terror acompañado de diferentes pinturas. Dos en especial son una referencia al trabajo de Vincent Van Gogh y Salvador Dalí.
Vincent van Gogh, Self Portrait, 1889, Musée d’Orsay, Paris, France.
Salvador Dali, Sleep, 1937, private collection.
Arte en la familia amarilla 
Uno de los capítulos más memorables de la serie amarilla. Las referencias artísticas de Los Simpson continúan durante el capítulo 18 de la temporada 5, donde un concurso en la radio lleva a Bart a ganarse un elefante. Si bien la historia de este capítulo está dedicada a la conciencia respecto al reino animal, hay un pequeño momento en el que Bart limpia una pintura muy parecida a la obra de Grant Wood, American Gothic (1930, Art Institute of Chicago, Chicago, IL, USA.).
Existen muchas referencias artísticas en Los Simpson, algunas suelen ser muy obvias, mientras otras se elaboran de una forma más compleja a través de tributos escénicos. Recuerda que puedes ver la parte 1 y parte 2 de este tema dando clic en ellas. Para terminar esta publicación es preciso recurrir a las palabras de Bart Simpson en su Guía para la vida.
“Los museos son nuestras salas sagradas de la cultura, pero no les eches eso en cara. Exigen respeto, hombre. Así que la próxima vez que te arrastren a uno de estos viejos basureros polvorientos, recuerda comportarte.”
